アルベルト・ジャコメッティ。 反逆者の天才

イリーナ・ニキフォロワ

展示会

雑誌番号:

特別な問題。 スイス - ロシア: 文化の交差点

A.S. プーシキンにちなんで名付けられた国立美術館の権威は、主に主要な国際プロジェクトの実行におけるそのリーダーシップによるものでした。 美術館の展示活動は、長年にわたる美術館のコレクションの研究に関連したアイデアの実現に限定されません。 従業員の関心と多大な努力は常に、美術の歴史のページを描き、美術館の展示の隙間を補うプロジェクトを実施することを目的としています。 ここ数十年にわたり、モダニスト芸術家の作品や 20 世紀の前衛芸術の古典を展示する伝統が維持されています。 プーシキン国立美術館は、ピカソ、モディリアーニ、デュフィ、ミロ、ダリ、マグリット、モンドリアン、ウォーホルの作品を初めて鑑賞者に紹介しました。 40年前、このようなショーは真のカルチャーショックであり、全体主義国家の「美学化された神話」を背景に、異なる芸術言語を大胆にデモンストレーションするものでした。

展覧会「アルベルト・ジャコメッティ」を開催。 彫刻、絵画、グラフィック」はロシアの文化生活における主要なイベントと考えることができます。 モスクワとサンクトペテルブルクにおけるアーティストの膨大な遺産の最初の展覧会の準備は深刻な困難を伴い、プロジェクト参加者の相互の関心にもかかわらず、時には乗り越えられないと思われることもありました。 作品の提供、輸送、展示に関してすべての当事者が合意に達することはすぐには不可能でした。 スイスのパートナーとの交渉は数年間続き、2度中断されたが、最終的に2008年の夏、ロシアの2大美術館であるバイエラー財団（バーゼル）、スイス美術館、アルベルト・ジャコメッティ財団（チューリッヒ）の間で協定が締結された。 - エルミタージュ美術館とA.S. プーシキン美術館。プーシキン。 プロジェクトの実施が成功し、観客からの間違いなく成功したことは、展覧会の開催に費やした努力が正当であることを証明します。

1930 年代にジャコメッティはパリのボヘミアに受け入れられ、支持されました。1940 年代には、ピエール マティス ギャラリー (ニューヨーク) での展覧会のおかげでアメリカでの人気を博し、1950 年代以降、ヨーロッパの前衛の誰もが認めるリーダーとなりました。 - ギャルドアート。 しかしこれまで、世界中で知られているこの伝説的な芸術家の作品は、ロシアの観客にはほとんど知られていない。

同時代の人々は彼の芸術を哲学的思想の反映と見なし、彼のスタイルの発展に対するさまざまな前衛運動の影響を分析しました。 シュルレアリスム理論家のアンドレ ブルトンは、この彫刻家の作品をシュルレアリスムの美学を理想的に表現したものであると考えました。 フランスの作家、哲学者、劇作家のジャン・ポール・サルトルは、ジャコメッティの作品は現象学の原則に基づいて構築されており、彼が作成したイメージは「有と無の中間」に存在すると信じていました。 サルトルの芸術家に関するエッセイ「絶対的なものへの努力」（1947年）は、彼の芸術の実存的本質の分析です。 しかし、ジャコメッティ自身は、そのノートやエッセイの中で、哲学や芸術のいかなる方向性との関連を否定しました。

アルベルト・ジャコメッティは、ショッキングで大声での宣言を避け、自分の感情をプラスチックの構図で具体化しました。 彼は、「私は主に、創作の過程でのみ経験する感情をテーマに仕事をしています。」と認めました。 創造性への熱狂的な没頭により、彼は時間を気にすることもなく、何日も空腹や休息や睡眠の必要性を感じずに過ごすことができました。 彼は現象の本質に迫る方法の探求に全力を注ぎ、存在の真の「裏打ち」を発見しようとしました。

アルベルトは、父親であるスイスの画家ジョヴァンニ・ジャコメッティの工房で最初の芸術体験をしました。 アルベルトは子供の頃、自分の才能の力に気づきました。「子供の頃、私は限りなく幸せで、見たものすべてを描けると思うと楽しかったです。」 印象的で、並外れた能力に恵まれたジャコメッティは、創造性豊かな雰囲気の中で育ちました。 スタンペの町にある両親の家では、家具、カーペット、シャンデリアなど、多くのインテリア用品が父親によって作られたか、父親のデザインに従って作られていました。 アルベルトは、芸術出版物の豊富なコレクションを備えた家族図書館を自由に利用できました。 彼は意図的に絵を描いたり絵を描いたりして、本の挿絵から古い巨匠の作品をコピーしました。

イタリアへの旅行と、ティントレット、ジョット、マンテーニャなどの巨匠の作品との出会いは、若い芸術家にとって、自分自身の創造的な個性を実現するための真剣な段階となりました。 ジャコメッティは後に、芸術において到達不可能なもの、つまり物質世界の想像上の現実の背後に隠された真の人生を反映しようと努力する人間の絶望をその時初めて感じたと回想している。

パリへの移住、グラン・ショミエール・アカデミーでの学び、「熱狂的な」アントワーヌ・ブールデルの工房訪問は、20歳のアルベルトの創造的才能の発展に有益でした。 ブールデルの可塑性のダイナミズムと内面のドラマは、ジャコメッティのまだ無意識の探求に異常に近いことが判明しました。 田舎の慎ましい若者は、文化首都の活発な芸術活動に衝撃を受けました。 彼は現代芸術家の正式な研究から多くを借りて絵を描き、彫刻を行い、一貫してキュビスムとダダへの情熱を経験し、シュルレアリスムの創始者であるアンドレ・ブルトンの権威に進んで「シュルレアリスム第二宣言」を提出しました。革命的で政治的なパン種。 先輩のアドバイスで、彼は人類博物館の民族誌部門を訪れ、そこでアフリカとポリネシアの原始芸術の造形にインスピレーションを得ました。

ジャコメッティは、初心者のような熱意をもって、それまで学んできた父の絵画体系である「学校」を克服し、その矛盾を暴露した。 「転向した」前衛芸術家の興奮のあまり、彼は文学作品『イエスタデイ』を出版するという冒涜的な行為を犯した。 流砂。" この作品は彼の自伝の事実に基づいており、空想（昆虫をからかうことから得られるサディスティックな快楽、家族に対する暴力、幟殺しの大罪）が含まれており、過去に対する芸術家の無意識の攻撃性を明らかにしました。 彼は破壊的な行為を描写することで、一般に受け入れられている伝統の厳格な枠組みから想像力の中で自分自身を解放しようとしました。 すぐに続いた父親の死はジャコメッティを傷つけ、冷静さを取り戻した。

彼は新しいものすべてを貪欲に吸収し、才能豊かに解釈し、それを芸術的な形に落とし込み、自分が気づいたことの意味を視覚的に表現しましたが、それが芸術における彼の目標に一致しない場合はすぐに興味を失いました。 シュールレアリストのグループとのコラボレーションは、アーティストの作品に重大な痕跡を残しましたが、それは「ハイスタイル」への道のほんの小さな一歩にすぎませんでした。

1940年代初頭にアルベルト・ジャコメッティが読んだオノレ・ド・バルザックの小説『知られざる傑作』は、彼にとって一種のプログラムとなった。 バルザックは、この芸術家の苦悩の探求の目標を明確かつ単純に定義しました。「美とは厳格であり、気まぐれなものである」と老画家フレンホーファーは言います。それを掴み、屈服させるためにしっかりと握り締めた。 その姿はプロテウスで、神話のプロテウスよりもはるかにとらえどころがなく、トリックに富んでいます。 長い闘いの後にのみ、彼女は本当の姿を見せることを余儀なくされる。 あなたは皆、彼女があなたの前に現れることに同意した最初の形、あるいはせいぜい 2 番目か 3 番目の形で満足しています。 これは勝者がどのように行動するかではありません。 これらの柔軟性のない芸術家たちは、あらゆる種類の紆余曲折にだまされることを許さず、自然がその真の本質を完全に裸で見せるよう強制するまで粘り続けます。」

ジャコメッティは、モデルの外殻の空虚な反射、つまり巨大な人間の肉体から遠ざかりました。 漂砂の瓦礫から創造した世界を浄化し、芸術家は物質の死すべき肉体を隔離し、最終的には精神の素晴らしいエネルギーを残しました。 アルベルト・ジャコメッティは毎年、素材の抵抗を克服し、音叉のような音を響かせ、感情的な緊張感を伝えてきました。 カフカ、カミュ、サルトル、ベケットといっ​​た文学的傑作に続いて、ジャコメッティの作品は、神に見捨てられた人間の悲劇的な感情を視覚的に具体化したものです。

ジャコメッティは、金属加工と表面塗装の技術を融合させ、伝統的な種類の美術に対する認識を変えました。 彼の芸術における革命は、実際に彫刻を構成していた主要なものの破壊にあります。彼は「体積を廃止した」のです。 刃の薄さに合わせてデフォルメされたフィギュア。 具体性と重みが強調された伝統的な造形言語に対する抗議として、構造を通して導入されました。 まるでこの世のものとは思えない垂直の人物は、美術館の内部から街の広場に至るまで、あらゆる空間を集めて保持し、周囲のあらゆるものを特別な磁力で満たします。 ゆっくりと熟考したり、スムーズに円を描く必要はありません。 シャープで表情豊かな彫刻が、明確に描かれた巨大なグラフィックイメージのように空間を支配しています。

青銅鋳物の表面には、ジャコメッティが粘土を触った跡が残っています。 温かみのある黄土色から冷たい緑の色合いまで複雑な色調の変化を伴う見事な緑青と組み合わされた質感により、彫刻を空間絵画と比較することができます。 逆に、ジャコメッティの絵画、素描、エッチングには、彫刻家の仕事のテクニックが含まれています。彼は明確な輪郭を描いてイメージを固定するのではなく、物体、身体、顔をモデル化して、それらの形状と空間内の正しい位置を「模索」しているようでした。輪郭を何度も繰り返すことによって。 紙とキャンバスの平面性がボリュームを獲得し、流れるようなストロークがイメージを織りなし、「生きた視覚」のダイナミクスを維持します。

アーティストは、予想外にも、自分自身に設定した問題の解決策を最も単純なことから見つけました。 こうして、横断歩道の道路標識が1940年代後半の「Walking」シリーズや「Crossing Space」シリーズの制作のきっかけとなり、パリの狭い工房の片隅に無秩序に集められた彫刻模型たちは、構成が変更され、新たに発見されたイメージとなった（「森」、1950年）。 アーティストは、バルザックの「知られざる傑作」からインスピレーションを得て、彫刻「手」（1947年）を制作しました。 この作品は、生きた手から鋳造されたものは命のない肉片に過ぎないという登場人物の一人の言葉を文字通り表しています。 ...私たちは、物や存在の魂、意味、特徴的な外観を把握しなければなりません...手は人体の一部を形成するだけでなく、把握し伝えなければならない思考を表現し、継続させます。」

ジャコメッティは天才のような不満を持っていました。「私が達成できるものはすべて、私が目に見えるものと比較すると取るに足らないものであり、むしろ失敗に等しい。」 これらの言葉は、芸術に夢中になり、創造的な目標が人生の意味だった人の本当の気持ちを表しています。

彼らの偉業は、才能豊かな彫刻家、家具デザイナー、インテリア デザイナーであるディエゴ ジャコメッティのおかげで可能になりました。ジャコメッティは、40 年以上も優秀な兄の影に隠れ続けていました。 アルベルトへの彼の忠実な奉仕、精神的および財政的支援、アイデアの実現への支援、そして最後に、彫刻の作業の最も重要な段階、つまり彼自身の鋳造所で粘土モデルをブロンズ鋳物に移すことの実行と呼ぶことができます。本当の偉業。

ディエゴのコレクション、芸術家の未亡人アネット・アームのコレクション、弟ブルーノからの贈り物に基づいて、チューリッヒのアルベルト・ジャコメッティ財団が設立されました。 この小さな展覧会にはジャコメッティの作品60点が含まれ、その大部分は財団から提供されたもので、父親の絵の影響を受けて制作された初期の自画像から晩年（未実現）に至るまで、巨匠の作品の全時期を反映していた。プロジェクト - ニューヨークのチェース・マンハッタン銀行前の広場の彫刻作品。

私たちはニューヨーク近代美術館の 4 階にいます。目の前にはスイスの彫刻家アルベルト ジャコメッティの 1948 年の作品「シティ スクエア」を収めた小さな展示ケースがあります。 青銅製というのが不思議ですね。 この素材は英雄的な彫刻と関連付けられており、そのような小さくてミニマルで悲しい人物ではありません。 その通り。 美術館に入ると、ロダン作のバルザックの雄大な人物像が出迎えてくれます。 - ブロンズ製。 - これはパリのラスパイユ大通りにそびえ立つ巨大な像の複製です。 見上げないといけないほど大きいです。 これは非常に英雄的な彫刻です。 騎馬像の伝統もあります。 そしてここに私たちの前に小さな人影があります。 - 小さい。 - しかし、それらの背後には完全な物語があります。 実はジャコメッティは反体制的なシュルレアリストの一人でした。 第二次世界大戦前、彼は母親のところへスイスに行きました。私が理解している限りです。 友達と。 ナチスの脅威から身を守るため。 そして彼は戦争が終わるまでスイスに留まりました。 そこで彼は彫刻に取り組みました。 戦争が終わると、彼は帰国し、作品をマッチ箱に入れて持ち帰った。 マッチ箱には戦時中に制作された彼の作品がすべて入っていました。 これらの数字は、現在私たちの目の前にある数字よりもさらに小さかったです。 とても小さいので、私たちは決して近づくことができないように思えます。 それが面白いのです。 これらの人物は非常に小さく、彫刻家が正確に誰を描いたのか、そしてこれらの人々がどのような体格をしているのかについてはほとんどわかりません。それでも、そのうちの 1 人が女性のものであることがわかります。 彼女は他の人たちとは違う。 残りの 4 人の人物は明らかに男性です。 ジャコメッティは、人物たちの個々の特徴を最小限に抑えながら、性別を判断できるような詳細を残しているのは興味深いと思います。 - ヒップ、胸など... - 服装。 そして髪。 それに加えて、ジャコメッティの他の戦後の作品を知ると、彼が歩く男性をよく描いていることがわかります。 女性の姿は動かずに立っています。 彼女の足を見てください。 彼女は古代ギリシャのコラ、つまり脚が互いに離れておらず、腕が体に押し付けられている女性の姿に似ています。 これは古代ギリシャの彫刻です。 右。 ジャコメッティが制作した女性像の手も側面に押し付けられており、男性は動いて描かれています。 これらは、彼が異なる性別の人々を描くときに行う重大な違いです。 - それは心配です。 - 私も。 彼が何を言いたかったのか気になります。 彼女は束縛されているようです...そして、彼が私を幸せにしない何かを意味しているのではないかと心配しています。 あなたが正しいのではないかと思います。 彼女は縛られているように見える。 右。 このため、都会では男性は動けるのに、彼女はそうではないという感覚が生まれます。 どの数字もよそよそしいので、その理由を理解するのは難しいです。 - その通り。 「彼らは皆、孤独で孤立しているように見えますが、彼女はさらにそう見えます。」 彼が以前に女性をどのように描いていたかを思い出してください。 まず最初に思い浮かぶのは、もちろん「喉を切られた女」です。 これは強姦されて殺害されたように見えるフィギュアです。 彼女は腕と足を伸ばして床に伸びています。 しかし、ここではさらに多くの暴力が存在します。 女性が確実に襲われていることに加え、半虫として描かれている。 つまりメスのカマキリのようなもの。 交尾後にオスを殺すのはどちらですか？ これは、シュルレアリストが特に興味を持ったアイデアの 1 つです。 そう、彼女は、通り過ぎる男たちが犠牲者になることを予期して固まっているかのように見えます。 疑問が生じます。これらの人物が何かによって動かされた場合、互いに衝突するのでしょうか、それともそれぞれ独自の道を進み、単に通り過ぎるだけでしょうか? お互いに衝突することもなく、道だけが交差するように。 興味深いテーマは、社会における人の孤立ですよね。 これが私に何を思い出させるか知っていますか？ これを見るとスーラを思い出します。 あなたが正しいと思います。 人物は体の輪郭がほとんどないほど控えめに描かれていますが、それでも私たちは彼らについて何かを理解することができます。 そして、外部空間では彼らが孤立して行動していることもわかります。 フランスの哲学者サルトルは、ジャコメッティの戦後初の大規模展覧会の序文を書いた。 そして彼は、特にジャコメッティの人物像が人と人との間の距離という概念をどのように表現し、人は他人から自分を孤立させる機会が必要であるかを宣言していると語った。 サルトルは、この芸術家の作品のモチーフを強制収容所の出現と結び付けます。周知のとおり、その一つで哲学者は短期間過ごしました。 キャンプでは、人々は常に互いに接触することを強いられ、個人的なスペースも孤立する機会もありませんでした。 はい。 それぞれの身体は常に他の人の身体と接触しており、常にお互いの邪魔をしていました。 その通り。 サルトルによれば、何週間もの間、誰かの手足の感触を感じていたという。 そしてジャコメッティは、人々の間に距離が必要であること、つまり人々が互いに独立し、誰もが空間で行動できるようにすることを意味すると回想しました。 しかし、もちろん、特に重要なのは、女性の人物が行動不能に見えることです。 これはアート・シュピーゲルマンのグラフィック小説『マウス』の一場面を思い出させます。 強制収容所（私が覚えている限り、ダッハウ）にいた主人公が、夜にトイレに行きたくなり、死体をまたぎながら廊下を歩いた様子。 サルトルはドイツの強制収容所にはいなかったが、短期間とはいえ刑務所にいたようだ。

「ジャコメッティの作品は、存在するすべてのものの中にある秘密の傷を見つけようとしているように私には思えます...

ジャン・ジュネ

灰色の要塞で恐怖と誤解に包囲され、疎外の石壁の向こうで修道院生活を送っている――これらの暗い寓意こそが、アルベルト・ジャコメッティの作品を最も正確に特徴付けることができる。

他者からの拒絶彼の世界、その命令、課せられた慣習 - これらの感情の全範囲を通過しながら、ジャコメッティは、三次元の現実というよりは影のような、無重力に満ちた彫刻作品を制作しました。 へそれらの隔離をさらに強調するために、巨匠はいくつかの作品を檻に閉じ込めました。これは、彼の傑作が永遠に眠る運命にある小さな空間を視覚的に隔離するように設計された薄いフレーム構造です。

アルベルト・ジャコメッティは1901年にスイスのボルゴノーヴォに生まれました。 芸術家の息子として生まれた彼は、幼少の頃から身の回りにある芸術品を見ることに慣れていました。 彼は芸術への愛情を遺伝子によって獲得したと言えます。

続いてジャコメッティ彼は真の象徴的な人物となり、その後の多くの運動や芸術全般の発展に影響を与えました。

アルベルト・ジャコメッティは、アンドレ・ブルトン、パブロ・ピカソ、マックス・エルンスト、サルトル、ミロなどの有名な芸術家と友人でした。

1922 年からパリに住み、働いてきたアルベルトは、自分の考えを変えました。自分の創造性について考え、キュビズム、アフリカ美術、原始主義に興味を持ちました。 この時期に制作された作品は彼の作品の中で最も有名になりました。 彼は生前から評価され、多くの批評家や芸術愛好家から最も偉大な創造者として注目されました。 1966 年にスイスで彼が亡くなった後、通りの 1 つが彼の名前にちなんで名付けられました。 さらに、アルベルト・ジャコメッティはスイスの最も偉大な人物の一人として100スイスフラン紙幣に描かれており、その卓越した功績により世界中に知られるようになりました。アルアントゥ。

群衆の中での孤独は最も強力で困難なものの一つです× 気持ち天才と普通の現代人が同等に経験する天才。

彫刻グループ「三人の歩く男」は神経質な緊張と喪失感で満たされており、将来に対する不確実性に対する当然の恐怖がはっきりと表れています。

不可能eと恐ろしい死の孤独 - ジャコメッティの「手」は、戦争中に実際に盗まれた切断された人間の手の写真に基づいて彫刻家によって制作されました。 この「手」は、最も皮膚の厚い唯物論者を震え上がらせ、より傷つきやすく印象に残りやすい人々の目をそらさせる可能性があります。 理想主義者。

スイスの彫刻家アルベルト・ジャコメッティによる歩く男性のブロンズ像がサザビーズで記録的な額で落札され、これまでオークションで落札された美術品としては最高額となった。
オークションはわずか 8 分間で、ロットの開始価格は匿名の購入者が電話で提示した価格の 5 分の 1 でした。
人間サイズのこの 20 世紀の彫刻は、ジャコメッティ (アルベルト ジャコメッティ) の象徴的な作品であると同時に、現代美術の最も有名なイメージの 1 つであると考えられています。

アーティストの息子、アーティストの兄弟イカであり、デザイナーであり、世界の著名な巨匠の友人であり生徒であるイタリア生まれのスイス人であるアルベルト・ジャコメッティは、目に見える孤独を経験していませんでした。 しかし、彼の作品と彼自身の発言はその逆を証明しています。 「私の魂、ホームレスで落ち着きのない...」 - これがマスターが彼の最高の作品の1つである1951年に作成された青銅の犬を感じた方法です。

孤独は、真の天才にとって避けられない運命であり、避けられない住まいではないだろうか？ 天才の基準について声が枯れるまで議論し、「合理的な意見」を「有能に宣言」することはできますが、事実は常に事実であり、プロローグよりもエピローグの方がはるかに興味深いです。

戦後、ジャコメッティは称賛されました彼はサルトルやジュネを含む多くの人から傑出した実存主義芸術家として認められています。 広大な空間にぽつんと現れる彼の痩せた人物像は、一般的にフランスの前衛芸術に特徴的な個人の孤立感を表現しています。 作家フランシス・ポンジは、この側面をより創造的に鮮やかに反映しました
1951年、パリの『カイエ・ダール』に掲載された記事「アルベルト・ジャコメッティの像、人物像の反射」の中でジャコメッティが書いた言葉。私は...死刑執行人であり、同時に犠牲者でもあります...同時に狩人であり獲物でもあります...荒廃した苦しみの世界で、連絡を失った男、そして孤独な男です自分自身を探している人 - ゼロから始めます。 疲れ果てて、疲れ果てて、痩せていて、裸です。 人混みの中をあてもなく徘徊する。 男の恐怖に苦しむ男を心配する男。 最近では最高のエレガンスを持った聖職者として自己主張をしています。 極度の疲労による哀愁、感覚を失った人格。 自分の矛盾の柱にある男は、もはや自分自身を犠牲にしていません。 焼けた。 そうです、親愛なる友人。 歩道にいる男は溶けた鉄のようだ。 彼は重い足を持ち上げることができません。 ギリシャ彫刻に始まり、ローランやマイヨール、人間は火刑に処される！ ニーチェとボードレールの後、価値観の破壊が加速したのは紛れもない事実です...彼らは彼の周りを掘り、彼の価値観を掘り起こし、彼の肌の下に入り込み、そしてすべては火に油を注ぐためにでした？ 人間は何も持っていないだけではなく、自分自身にほかなりません。」

スイスの巨匠の作品のエピローグは、1962 年のヴェネツィア・ビエンナーレでジャコメッティが当代最高の彫刻家と認定されただけでなく、その信じられないほどの高額な費用に反映され、ジャコメッティの作品に対するますます注目が高まったことでもありました。世界のオークションで。

http://monemo.ru/culture/modern-art/

イリーナ・ニキフォロワ

展示会

雑誌番号:

A.S. プーシキンにちなんで名付けられた国立美術館の権威は、主に主要な国際プロジェクトの実行におけるそのリーダーシップによるものでした。 美術館の展示活動は、長年にわたる美術館のコレクションの研究に関連したアイデアの実現に限定されません。 従業員の関心と多大な努力は常に、美術の歴史のページを描き、美術館の展示の隙間を補うプロジェクトを実施することを目的としています。 ここ数十年にわたり、モダニスト芸術家の作品や 20 世紀の前衛芸術の古典を展示する伝統が維持されています。 プーシキン国立美術館は、ピカソ、モディリアーニ、デュフィ、ミロ、ダリ、マグリット、モンドリアン、ウォーホルの作品を初めて鑑賞者に紹介しました。 40年前、このようなショーは真のカルチャーショックであり、全体主義国家の「美学化された神話」を背景に、異なる芸術言語を大胆にデモンストレーションするものでした。

展覧会「アルベルト・ジャコメッティ」を開催。 彫刻、絵画、グラフィック」はロシアの文化生活における主要なイベントと考えることができます。 モスクワとサンクトペテルブルクにおけるアーティストの膨大な遺産の最初の展覧会の準備は深刻な困難を伴い、プロジェクト参加者の相互の関心にもかかわらず、時には乗り越えられないと思われることもありました。 作品の提供、輸送、展示に関してすべての当事者が合意に達することはすぐには不可能でした。 スイスのパートナーとの交渉は数年間続き、2度中断されたが、最終的に2008年の夏、ロシアの2大美術館であるバイエラー財団（バーゼル）、スイス美術館、アルベルト・ジャコメッティ財団（チューリッヒ）の間で協定が締結された。 - エルミタージュ美術館とA.S. プーシキン美術館。プーシキン。 プロジェクトの実施が成功し、観客からの間違いなく成功したことは、展覧会の開催に費やした努力が正当であることを証明します。

1930 年代にジャコメッティはパリのボヘミアに受け入れられ、支持されました。1940 年代には、ピエール マティス ギャラリー (ニューヨーク) での展覧会のおかげでアメリカでの人気を博し、1950 年代以降、ヨーロッパの前衛の誰もが認めるリーダーとなりました。 - ギャルドアート。 しかしこれまで、世界中で知られているこの伝説的な芸術家の作品は、ロシアの観客にはほとんど知られていない。

同時代の人々は彼の芸術を哲学的思想の反映と見なし、彼のスタイルの発展に対するさまざまな前衛運動の影響を分析しました。 シュルレアリスム理論家のアンドレ ブルトンは、この彫刻家の作品をシュルレアリスムの美学を理想的に表現したものであると考えました。 フランスの作家、哲学者、劇作家のジャン・ポール・サルトルは、ジャコメッティの作品は現象学の原則に基づいて構築されており、彼が作成したイメージは「有と無の中間」に存在すると信じていました。 サルトルの芸術家に関するエッセイ「絶対的なものへの努力」（1947年）は、彼の芸術の実存的本質の分析です。 しかし、ジャコメッティ自身は、そのノートやエッセイの中で、哲学や芸術のいかなる方向性との関連を否定しました。

アルベルト・ジャコメッティは、ショッキングで大声での宣言を避け、自分の感情をプラスチックの構図で具体化しました。 彼は、「私は主に、創作の過程でのみ経験する感情をテーマに仕事をしています。」と認めました。 創造性への熱狂的な没頭により、彼は時間を気にすることもなく、何日も空腹や休息や睡眠の必要性を感じずに過ごすことができました。 彼は現象の本質に迫る方法の探求に全力を注ぎ、存在の真の「裏打ち」を発見しようとしました。

アルベルトは、父親であるスイスの画家ジョヴァンニ・ジャコメッティの工房で最初の芸術体験をしました。 アルベルトは子供の頃、自分の才能の力に気づきました。「子供の頃、私は限りなく幸せで、見たものすべてを描けると思うと楽しかったです。」 印象的で、並外れた能力に恵まれたジャコメッティは、創造性豊かな雰囲気の中で育ちました。 スタンペの町にある両親の家では、家具、カーペット、シャンデリアなど、多くのインテリア用品が父親によって作られたか、父親のデザインに従って作られていました。 アルベルトは、芸術出版物の豊富なコレクションを備えた家族図書館を自由に利用できました。 彼は意図的に絵を描いたり絵を描いたりして、本の挿絵から古い巨匠の作品をコピーしました。

イタリアへの旅行と、ティントレット、ジョット、マンテーニャなどの巨匠の作品との出会いは、若い芸術家にとって、自分自身の創造的な個性を実現するための真剣な段階となりました。 ジャコメッティは後に、芸術において到達不可能なもの、つまり物質世界の想像上の現実の背後に隠された真の人生を反映しようと努力する人間の絶望をその時初めて感じたと回想している。

パリへの移住、グラン・ショミエール・アカデミーでの学び、「熱狂的な」アントワーヌ・ブールデルの工房訪問は、20歳のアルベルトの創造的才能の発展に有益でした。 ブールデルの可塑性のダイナミズムと内面のドラマは、ジャコメッティのまだ無意識の探求に異常に近いことが判明しました。 田舎の慎ましい若者は、文化首都の活発な芸術活動に衝撃を受けました。 彼は現代芸術家の正式な研究から多くを借りて絵を描き、彫刻を行い、一貫してキュビスムとダダへの情熱を経験し、シュルレアリスムの創始者であるアンドレ・ブルトンの権威に進んで「シュルレアリスム第二宣言」を提出しました。革命的で政治的なパン種。 先輩のアドバイスで、彼は人類博物館の民族誌部門を訪れ、そこでアフリカとポリネシアの原始芸術の造形にインスピレーションを得ました。

ジャコメッティは、初心者のような熱意をもって、それまで学んできた父の絵画体系である「学校」を克服し、その矛盾を暴露した。 「転向した」前衛芸術家の興奮のあまり、彼は文学作品『イエスタデイ』を出版するという冒涜的な行為を犯した。 流砂。" この作品は彼の自伝の事実に基づいており、空想（昆虫をからかうことから得られるサディスティックな快楽、家族に対する暴力、幟殺しの大罪）が含まれており、過去に対する芸術家の無意識の攻撃性を明らかにしました。 彼は破壊的な行為を描写することで、一般に受け入れられている伝統の厳格な枠組みから想像力の中で自分自身を解放しようとしました。 すぐに続いた父親の死はジャコメッティを傷つけ、冷静さを取り戻した。

彼は新しいものすべてを貪欲に吸収し、才能豊かに解釈し、それを芸術的な形に落とし込み、自分が気づいたことの意味を視覚的に表現しましたが、それが芸術における彼の目標に一致しない場合はすぐに興味を失いました。 シュールレアリストのグループとのコラボレーションは、アーティストの作品に重大な痕跡を残しましたが、それは「ハイスタイル」への道のほんの小さな一歩にすぎませんでした。

1940年代初頭にアルベルト・ジャコメッティが読んだオノレ・ド・バルザックの小説『知られざる傑作』は、彼にとって一種のプログラムとなった。 バルザックは、この芸術家の苦悩の探求の目標を明確かつ単純に定義しました。「美とは厳格であり、気まぐれなものである」と老画家フレンホーファーは言います。それを掴み、屈服させるためにしっかりと握り締めた。 その姿はプロテウスで、神話のプロテウスよりもはるかにとらえどころがなく、トリックに富んでいます。 長い闘いの後にのみ、彼女は本当の姿を見せることを余儀なくされる。 あなたは皆、彼女があなたの前に現れることに同意した最初の形、あるいはせいぜい 2 番目か 3 番目の形で満足しています。 これは勝者がどのように行動するかではありません。 これらの柔軟性のない芸術家たちは、あらゆる種類の紆余曲折にだまされることを許さず、自然がその真の本質を完全に裸で見せるよう強制するまで粘り続けます。」

ジャコメッティは、モデルの外殻の空虚な反射、つまり巨大な人間の肉体から遠ざかりました。 漂砂の瓦礫から創造した世界を浄化し、芸術家は物質の死すべき肉体を隔離し、最終的には精神の素晴らしいエネルギーを残しました。 アルベルト・ジャコメッティは毎年、素材の抵抗を克服し、音叉のような音を響かせ、感情的な緊張感を伝えてきました。 カフカ、カミュ、サルトル、ベケットといっ​​た文学的傑作に続いて、ジャコメッティの作品は、神に見捨てられた人間の悲劇的な感情を視覚的に具体化したものです。

ジャコメッティは、金属加工と表面塗装の技術を融合させ、伝統的な種類の美術に対する認識を変えました。 彼の芸術における革命は、実際に彫刻を構成していた主要なものの破壊にあります。彼は「体積を廃止した」のです。 刃の薄さに合わせてデフォルメされたフィギュア。 具体性と重みが強調された伝統的な造形言語に対する抗議として、構造を通して導入されました。 まるでこの世のものとは思えない垂直の人物は、美術館の内部から街の広場に至るまで、あらゆる空間を集めて保持し、周囲のあらゆるものを特別な磁力で満たします。 ゆっくりと熟考したり、スムーズに円を描く必要はありません。 シャープで表情豊かな彫刻が、明確に描かれた巨大なグラフィックイメージのように空間を支配しています。

青銅鋳物の表面には、ジャコメッティが粘土を触った跡が残っています。 温かみのある黄土色から冷たい緑の色合いまで複雑な色調の変化を伴う見事な緑青と組み合わされた質感により、彫刻を空間絵画と比較することができます。 逆に、ジャコメッティの絵画、素描、エッチングには、彫刻家の仕事のテクニックが含まれています。彼は明確な輪郭を描いてイメージを固定するのではなく、物体、身体、顔をモデル化して、それらの形状と空間内の正しい位置を「模索」しているようでした。輪郭を何度も繰り返すことによって。 紙とキャンバスの平面性がボリュームを獲得し、流れるようなストロークがイメージを織りなし、「生きた視覚」のダイナミクスを維持します。

アーティストは、予想外にも、自分自身に設定した問題の解決策を最も単純なことから見つけました。 こうして、横断歩道の道路標識が1940年代後半の「Walking」シリーズや「Crossing Space」シリーズの制作のきっかけとなり、パリの狭い工房の片隅に無秩序に集められた彫刻模型たちは、構成が変更され、新たに発見されたイメージとなった（「森」、1950年）。 アーティストは、バルザックの「知られざる傑作」からインスピレーションを得て、彫刻「手」（1947年）を制作しました。 この作品は、生きた手から鋳造されたものは命のない肉片に過ぎないという登場人物の一人の言葉を文字通り表しています。 ...私たちは、物や存在の魂、意味、特徴的な外観を把握しなければなりません...手は人体の一部を形成するだけでなく、把握し伝えなければならない思考を表現し、継続させます。」

ジャコメッティは天才のような不満を持っていました。「私が達成できるものはすべて、私が目に見えるものと比較すると取るに足らないものであり、むしろ失敗に等しい。」 これらの言葉は、芸術に夢中になり、創造的な目標が人生の意味だった人の本当の気持ちを表しています。

彼らの偉業は、才能豊かな彫刻家、家具デザイナー、インテリア デザイナーであるディエゴ ジャコメッティのおかげで可能になりました。ジャコメッティは、40 年以上も優秀な兄の影に隠れ続けていました。 アルベルトへの彼の忠実な奉仕、精神的および財政的支援、アイデアの実現への支援、そして最後に、彫刻の作業の最も重要な段階、つまり彼自身の鋳造所で粘土モデルをブロンズ鋳物に移すことの実行と呼ぶことができます。本当の偉業。

ディエゴのコレクション、芸術家の未亡人アネット・アームのコレクション、弟ブルーノからの贈り物に基づいて、チューリッヒのアルベルト・ジャコメッティ財団が設立されました。 この小さな展覧会にはジャコメッティの作品60点が含まれ、その大部分は財団から提供されたもので、父親の絵の影響を受けて制作された初期の自画像から晩年（未実現）に至るまで、巨匠の作品の全時期を反映していた。プロジェクト - ニューヨークのチェース・マンハッタン銀行前の広場の彫刻作品。

フランスでは、彫刻における質量と空間の関係の問題に興味を持ち、いわゆる「檻の彫刻」を制作することでこの問題を解決しようとしました。

ジャコメッティの初期の作品は写実的な手法で作られていましたが、後に立体的なコラージュのようなデザインに移行し、ジャコメッティの影響も受けました。 シュルレアリスムそして キュービズム。 彼は数年間、古代ギリシャ、アフリカ、オセアニア、古代アメリカの芸術を学び、その後、フランスの前衛芸術に特徴的な個人の孤立感を表現する世界的に有名な細い人物像の制作を推進しました。 1927 年に彫刻家の作品がチュイルリー サロンで発表され、5 年後には最初の個展が開催されました。 フランス占領が始まると、ジャコメッティはジュネーブに行き、戦争が終わるまでスイスに留まることを余儀なくされた。

1945 年にジャコメッティはパリに戻り、フランスの首都の芸術活動に積極的に関与するようになりました。 グループ展への参加、個人的な回顧展、そして友人との交流 ジャン・ジュネ彼の作品についていくつかの記事が掲載され、この彫刻家はヨーロッパに広く名声をもたらしました。 戦後、巨匠の安定したスタイルが出現し、20世紀芸術におけるジャコメッティの地位を決定づけました。文字通り空間を切り裂く非常に細長い人物像において、ジャコメッティはオブジェクトの非物質化の問題に対する正確な解決策を見つけました。空虚への重点の移行とともに。 人生の終わりに向かって、ジャコメッティは絵画を好んだ。

「モスクワの夜」 20 世紀の主要な彫刻家の 1 人の最も有名な作品を厳選して紹介します。

『構図（男と女）』（1927年）

ジャコメッティのキュビズム作品の多くは、平行なストリップを溶接したかのように、リブのあるフォルムを中心に構築されています。 この彫刻は、目的不明の産業構造の一部、または楽器のいずれかを連想させます。 丸い（女性的な）フォルムは、男性的な原則を象徴する長方形と継続的に相互作用する状態にあり、それらは一緒になって永久機関のようなものを形成します。

『ハンギングボール』（1931年）

この有名なシュールレアリスムのデザインでは、凹みのある球形のボリュームが糸の上で揺れ、三日月の形に触れ、観客に鋭い触感を引き起こします。 純粋なエロティシズムに満ちた、かなり攻撃的な作品が強烈な印象を残した。 アンドレ・ブルトンそして 。

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写真: Hoddion.dreamwidth.org

「見えない物体」(1934)

1934 年、ジャコメッティはシュルレアリスムのサークルと決別し、視覚的な伝統に目を向けました。 今年、彼は「目に見えない」イメージというテーマを維持しながら、突然探求の方向を変えた彼の画期的な作品の1つを制作しました。 縦に長く伸びた少女のブロンズ像が、車輪の付いた低い台座に取り付けられた狭いフレームに刻まれています。 彼女の不安定なバランスは、傾斜した座席と足元の「落下」バーによって逆説的に支えられており、失われた物体を手探りしているかのように両手が空中に浮かんでいます。

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「手」（1947）

「一度、部屋の椅子の上に置かれたブリーフケースを見たことがあります。この物体は孤独であるだけでなく、別の物体に影響を与えることを妨げる一定の重さ、あるいはむしろ重さの欠如を持っているように思えました。ブリーフケースとても孤独だったので、椅子を持ち上げても、ブリーフケースはその場所に留まるような気がしました。ブリーフケースには、独自の重みがあり、独自の場所があり、独自の沈黙さえありました。」 そこで彫刻家は、空間に「溶ける」「無重力」の物体に取り組み始めました。 巨匠が研究中に完成させた最も印象的な作品の 1 つは、空間に溶け込む、驚くほど細くやつれ果てた手でした。これは、第二次世界大戦の恐怖というテーマに対するジャコメッティの熟考の結果でした。

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「台座上の人間の頭」（1949-1951）

1921年、ジャコメッティはチロル旅行中に偶然の同行者の突然死を目撃した。 「台座（または棒）の上に置かれた人間の頭」は、後ろに投げ返され、虚空に静かな叫び声を送り、このエピソードに関する彫刻家の痛ましい記憶を具現化しました。

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『犬』 (1951)

ジャコメッティは、パリでの人生の最初の数年間に、今にも飛び立ちそうな痩せていて神経質な犬を制作しましたが、それをブロンズで鋳造したのは 1951 年になってからでした。 彼は報道陣や友人に対し、この作品は自分の自画像であると語った。 その後、彼は同じ猫を作りました。

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『ウォーキングマン I』 (1960)

「道を歩いている人たちを見たとき、細長く細長い人物像を想像していましたが、それがすごいと思いましたが、等身大で想像することは不可能でした。遠くから見るとただの幽霊になります」 「同じ人が近づいてきたら、これは別人だ。そして、近づきすぎると…もう本当に見えなくなる」とジャコメッティは自分の「幽霊のような」姿について語った。

「人間…人間…自由な個人…私は…処刑人であると同時に犠牲者である…狩人であると同時に獲物である…男――そして孤独な男 - 連絡を失った - 荒廃した苦しみの世界で - 自分自身を探している - ゼロから始める 疲れ果て、疲れ果て、痩せていて、裸で、群衆の中を目的もなくさまよう 男のことを心配し、恐怖に苦しむ男男です。最近、最高の優雅さの聖職者として自分自身を主張しています。極度の疲労の哀愁、感覚を失った人格。矛盾の柱にある男は、もはや自分自身を犠牲にしません。燃えています。あなたは正しいです、親愛なる人友人です。歩道上の人間は溶けた鉄のようなものです。重い足を持ち上げることができません。ギリシャ彫刻から、ローランやマイヨールから、人間は火あぶりにされてきました! ニーチェやボードレール以降、価値観が破壊されたのは間違いなく真実です。彼らは「彼らは火に油を注ぐために彼の肌、彼の価値観、そしてすべてを掘り下げました？人は何も持っていないだけではなく、彼は彼の真我にすぎません。」これが作家が本質を説明した方法です彫刻の フランシス・ポンジ記事「アルベルト・ジャコメッティの彫像、人物、絵画についての考察」（1951年）。

2010 年 2 月 20世紀で最も有名な彫刻の一つサザビーズでは記録的な金額の1億390万ドルで落札された。

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